EXPOSICIÓN “ARTE ENCONTRADO”, ONOFRE CONDE, GALERIA BENOT, CÁDIZ SEPTIEMBRE-NOVIEMBRE 2026
EXPOSICIÓN “ARTE ENCONTRADO”, ONOFRE CONDE, GALERIA BENOT, CÁDIZ SEPTIEMBRE-NOVIEMBRE 2026
En la exposición «Arte
Encontrado» de Onofre Conde Nieto en la Galería Benot de Cádiz se aborda la transformación de los materiales olvidados y el objeto cotidiano en
discurso plástico.
La muestra parte de la idea
de detener el tiempo, rescatar elementos desechados o ignorados y dignificarlos
mediante la práctica artística antes de su desaparición. El hilo conductor gira
en torno a la belleza oculta en lo cotidiano y lo recuperado («la basura es
bella»).
Onofre Conde es un
creador plástico en el panorama artístico andaluz y gaditano, cuya trayectoria
destaca por una búsqueda conceptual constante en torno a la materia, la forma y
la memoria de los objetos.
Su obra abarca desde proyectos pictóricos
inspirados en viajes, culturas e impresiones geográficas (como muestras
enfocadas en temas orientales o la diversidad cromática de Latinoamérica) hasta
reflexiones de marcada carga social y humana. Ejemplo de ello es su obra Migrar,
2020 (realizada en técnica mixta sobre tabla, de 200x200 cm), donada a la
Universidad de Cádiz, que
formó parte de la exposición colectiva Migrantes organizada en 2020 por la Oficina de Cooperación Internacional.
A lo largo de su carrera ha explorado diversas
disciplinas y soportes, incluyendo el uso de materiales recuperados, papel
maché y técnicas mixtas sobre papel y tela. En sus proyectos más recientes
muestra una inquietud por el «objeto encontrado», transformando residuos o
elementos cotidianos desechados en esculturas y piezas tridimensionales
cargadas de poesía estética y valor sostenible.
Conde ha expuesto con regularidad en espacios
expositivos de referencia en Cádiz y Andalucía, colaborando con instituciones
como la Galería Benot, el Centro/Galería Luis Gonzalo, el espacio Stepman &
Tey o las salas de la Universidad de Cádiz.
Su trayectoria se define por una mirada sensible
hacia el entorno y el deseo de dotar a los materiales de una segunda vida
cargada de significado artístico.
La exposición combina obras sobre
papel y técnicas tridimensionales, compuestas por: 18 acuarelas, 4
esculturas de papel maché elaboradas a partir de materiales recuperados
y 1 pieza tridimensional.
LAS ACUARELAS
Mientras que la temática se centra en rescatar
objetos e impresiones del entorno que suelen pasar desapercibidos o
descartarse, la técnica de la acuarela los aborda mediante manchas, veladuras y
trazos delicados, otorgándoles un carácter etéreo.
Las acuarelas funcionan como registros pictóricos
breves que fijan la belleza del objeto «encontrado» antes de su deterioro o
desaparición definitiva, creando un diálogo compositivo muy claro con las
piezas volumétricas de la sala.
LAS ESCULTURAS DE PAPEL MACHÉ
Las cuatro esculturas exentas están elaboradas
con pasta y capas de papel recuperado y reutilizado, convirtiendo el propio
soporte de desecho en el medio escultórico principal.
El
papel maché le otorga a las piezas una apariencia orgánica, ligera y maleable.
Las formas no buscan la rotundidad monumental, sino una presencia más íntima,
frágil y poética.
La superficie de estas piezas conserva la huella
del proceso artesanal de modelado, mostrando rugosidades, pliegues y
superposiciones que captan la luz de manera suave y sugieren una segunda vida
dada al material.
LA
PIEZA TRIDIMENSIONAL
Esta obra se diferencia técnicamente
de las 18 acuarelas y las 4 esculturas exentas realizadas en papel maché.
Se trata de una creación ensamblada que se
enmarca dentro del concepto del objeto encontrado (objet trouvé),
concebida a partir del rescate y la combinación de materiales de desecho y
elementos reciclados.
Esta
obra explora el volumen físico directo y el espacio tridimensional para
dialogar con la idea central del artista: detener el tiempo, dignificar lo
cotidiano o descartado y otorgarle una presencia estética antes de su
desaparición.
ALGUNAS OBRAS
ACUARELA 1
La
disposición de los objetos representados —un plato con cáscaras de nuez, el cascanueces
metálico cruzado sobre este y
algunas piezas sueltas alrededor— está
planteada desde un plano picado, ángulo que aporta una sensación de
cercanía e inmediatez, como si el espectador estuviera observando una escena
cotidiana sobre una mesa.
En la obra se manifiesta el contraste entre la
minuciosidad con la que se representan las texturas de las nueces (las
rugosidades de las cáscaras, los brillos especulares en el metal del
cascanueces) y la libertad del fondo, donde campan las manchas de color,
salteadas por cascaras.
Las manchas de acuarela en tonos
morados y malvas se desbordan de manera orgánica, creando salpicaduras y un
goteo vertical deliberado en la parte inferior. Este recurso rompe los límites
formales del dibujo clásico, lo que le
da un carácter contemporáneo, poético y ligeramente melancólico.
El manejo de las luces y las sombras es sobresaliente. En el
cascanueces, los reflejos blancos sugieren una superficie pulida y dura,
mientras que, en las cáscaras de nuez, las sombras profundas aportan un fuerte
sentido tridimensional.
En esta
acuarela, el artista eleva un objeto cotidiano y efímero (unos restos de frutos secos tras
consumirlos) a la categoría de arte reflexivo, donde el proceso técnico de la
acuarela (el control y el azar del agua) se convierte en parte fundamental del
mensaje estético.
ACUARELA
II
Representa un conjunto de
embalajes y cartones arrugados, rotos o aplastados. Al tomar elementos
considerados "basura" o desechos
cotidianos y convertirlos en el tema principal de una obra pictórica, el
artista dignifica el objeto efímero, e
invita a reflexionar sobre la cultura del consumo, los envíos y lo que
dejamos atrás.
La composición es un bloque denso
e intrincado de formas geométrico-orgánicas
(pliegues del cartón, pestañas, cajas abiertas) que se concentran en el centro
de la imagen. Las líneas paralelas del cartón ondulado, las solapas dobladas y
las arrugas del papel generan un
entramado muy rico en detalles.
Conde logra plasmar fielmente la
rigidez del cartón, las zonas desgarradas y las sombras internas de las cajas
mediante pinceladas precisas e hiperrealistas en tonos ocres, pardos y
marrones. Todo ello se representa
sobre un fondo atmosférico en tonos violetas y lavandas que no solo sirve de
base para resaltar los marrones del cartón, sino que se extiende en finas
ramificaciones y goteos hacia la parte inferior. La combinación de los tonos
tierra cálidos con los púrpuras fríos
crea una armonía cromática muy sofisticada.
LA
PIEZA TRIDEMENSIONAL
Toma la inconfundible silueta de
las damas de honor barrocas —caracterizada
por el guardainfante o falda acampanada, las mangas abullonadas y el cuello
estructurado— y la traslada al campo del volumen y la artesanía ensamblada.
La falda y varias secciones de la
vestimenta parecen estar compuestas por un
collage o capas de papel impreso (prensa,
textos o grabados antiguos) aplicados sobre una estructura tridimensional. Esto
añade un valor narrativo: el cuerpo de la figura está hecho literalmente de
historias y palabras.
El cabello está resuelto con
tiras metálicas o de material flexible enrollado que simulan los bucles del
peinado cortesano, mientras que los detalles del broche en el pecho y los puños
encajados aportan un contraste táctil entre lo rígido, lo blando y lo
decorativo.
La peana de madera sobria y
envejecida eleva la pieza, enraizándola en una estética artesanal que huye del
pedestal blanco o pulido tradicional. Respecto a la gama cromática, predominan
los tonos cálidos, envejecidos y cobrizos, complementados con tonos verdosos,
ocres y el contraste de los blancos en los
puños y el abanico. La pátina da
a la escultura un aire de antigüedad rescatada, como un objeto de época
reinterpretado desde el arte contemporáneo.
Copyright
Manuel Holgado García, 2026.11.06
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